Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid
Sobre el Espacio
El Museo Reina Sofía es el principal museo de arte contemporáneo de España, conocido por albergar la emblemática obra "Guernica" de Picasso y otras obras significativas de artistas como Dalí y Miró. Su enfoque en el arte del siglo XX y XXI lo convierte en una referencia mundial en arte moderno y contemporáneo. El museo promueve el diálogo cultural y la innovación, organizando exposiciones y actividades que exploran temas sociales actuales.
Información para Visitantes
Ubicación & Cómo Llegar
Calle de Santa Isabel 52, 28012 Madrid, Madrid, España
Exposiciones y Eventos en Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Leche, nieve, lágrima, mano: El saber hacer de Blanca Sánchez
El Museo Reina Sofía presenta Leche, nieve, lágrima, mano. El saber hacer de Blanca Sánchez, una exposición que explora la práctica creativa de Blanca Sánchez Berciano (Madrid, 1948-2007), comisaria, gestora cultural y coleccionista. A través de su enfoque camp y su metodología de collage, la muestra revela cómo Sánchez construyó una realidad conceptual a partir de fragmentos visuales y materiales. Recorrido expositivo La exposición, comisariada por estudiantes del máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, reúne documentos, fotografías, recortes y objetos personales que reflejan la efervescencia de la movida madrileña y la trayectoria completa de Sánchez. Una mesa central reproduce su espacio de trabajo, donde convivían desde papeles hasta flores, subrayando la lógica collagista que guiaba su vida profesional y personal. Horario De lunes a viernes, de 9:00 a 21:00 h. Organización Exposición realizada por el grupo de estudiantes del itinerario de Comisariado del máster universitario en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, organizado por la Universidad Autónoma de Madrid, la Universidad Complutense de Madrid y el Museo Reina Sofía. Entrada libre hasta completar aforo.
Fernando Sánchez Castillo: La Perla Peregrina
El Museo Reina Sofía presenta La Perla Peregrina, una exposición del artista madrileño Fernando Sánchez Castillo (1970), quien sostiene que «el arte es una fuerza que hace temblar las narraciones del Estado». A partir de esta premisa, el artista interviene en las formas en que el poder se representa, desmontando sus símbolos y revelando la fragilidad de los relatos que lo sustentan. Principalmente a través de la escultura, Sánchez Castillo aleja la iconografía del poder de su solemnidad para mostrar su carácter construido, precario y profundamente cuestionado. Al analizar monumentos, imágenes, gestos y leyendas, pone de manifiesto que la historia no es una narración estable, sino un campo en conflicto permanente que también afecta al presente. Su obra actúa como un dispositivo crítico que interviene en los imaginarios desde los que el poder construye su autoridad. El artista trabaja con los restos de la historia, modificando materiales, escalas y usos para subvertir la relación con ellos y activar nuevas capas de significado. Una escultura monumental se convierte en columpio; unos robots pasan a ser herramientas de abstracción; dos vehículos antidisturbios interpretan una danza de pas de deux. Al alterar sus funciones originales, estas piezas cuestionan formas de normalidad asumidas y revelan hasta qué punto muchas expresiones de autoridad, obediencia y representación se presentan como naturales. La Perla Peregrina El título de la exposición proviene de la célebre joya cuya historia condensa una estrecha relación entre singularidad, valor y autoridad. Hallada en Panamá en el siglo XVI, la perla llegó a la corte de Felipe II y permaneció ligada a los círculos del poder durante siglos. Tras ser sacada de España por José Bonaparte, pasó de mano en mano hasta que Richard Burton la adquirió para regalársela a Elizabeth Taylor. Las perlas nacen de una intrusión: un cuerpo extraño penetra en un molusco y altera su equilibrio, dando lugar a una forma única. La historia opera de modo similar: toda violencia fundacional genera capas de relatos y ceremonias que permiten avanzar sin mirar directamente la herida. El comisario de la exposición es Ferran Barenblit.
Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza
Dulce venganza es la primera exposición a gran escala en Madrid dedicada a Felix Gonzalez-Torres (1957-1996), artista estadounidense de origen cubano. La muestra explora la dimensión emocional y política de su práctica, profundamente actual y que sigue interpelándonos hoy. Madrid fue un lugar emocionalmente complejo para Gonzalez-Torres, experiencia que marcó sus primeras obras y a la que regresó en 1991, cuando presentó por primera vez Untitled (Revenge), una escultura de caramelos azul cristalino. La exposición utiliza la idea de «dulce venganza» como herramienta metodológica para comprender su uso de la diferencia, la contradicción y la paradoja. La obra de Gonzalez-Torres combina estructura y flexibilidad: sus pilas de papel y montones de caramelos se reponen indefinidamente mientras el público se los lleva; sus cortinas, vallas publicitarias y guirnaldas de luces dejan espacio a la contingencia y la reinterpretación. Como artista queer que trabajó durante la crisis del sida, desarrolló un lenguaje visual deliberadamente inestable, participativo y profundamente personal. Comisariada por Alejandro Cesarco y Nancy Spector, la exposición incluye obras emblemáticas que articulan el duelo y la celebración del amor de manera inseparable, convirtiendo las formas estéticas en vehículos de resonancia emocional y urgencia política.
Aurèlia Muñoz: Entes
Una exposición esencial sobre el arte textil contemporáneo El Museo Reina Sofía presenta Aurèlia Muñoz: Entes, una muestra integral que recorre más de cincuenta años de la trayectoria de una figura fundamental en la comprensión del arte textil contemporáneo. Vinculada inicialmente a movimientos como la nouvelle tapisserie y la Escuela Catalana del Tapiz, la obra de Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011) trasciende los límites tradicionales del tejido y la artesanía. La exposición se centra en el concepto de entes, un elemento clave en su producción, y aborda cómo la artista combinaba técnicas ancestrales con recursos contemporáneos para reflexionar sobre el impacto de las crisis posindustriales en los ecosistemas terrestres, acuáticos y aéreos. Obras destacadas • Collages y ensamblajes de influencia surrealista y gótica • Grandes bordados pictóricos • Estructuras de macramé inéditas procedentes de colecciones institucionales de España, Europa y Estados Unidos • Emblemáticas esculturas-cometa • Instalaciones realizadas con papel hecho a mano • Una amplia selección de maquetas y dibujos desconocidos hasta la fecha La muestra, que incluye obras como Ocell-estel B2 (1982) de la Colección MACBA, ofrece una visión sin precedentes del legado singular de Muñoz y busca abrir nuevas perspectivas sobre su práctica polifacética. Información adicional Esta exposición también podrá visitarse en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) del 5 de noviembre de 2026 al 29 de marzo de 2027. Comisariado: einaidea (Fundació Eina, Barcelona) Dirección científica: Manuel Cirauqui En colaboración con: Rosa Lleó y Silvia Ventosa Organizan: Museo Reina Sofía y Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Aurèlia Muñoz. Entes
El Museo Reina Sofía presenta “Aurèlia Muñoz. Entes”, una exposición integral que recorre más de cincuenta años de la obra de esta figura clave del arte textil contemporáneo. Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011) trasciende los límites del tejido y la artesanía, combinando técnicas ancestrales con recursos contemporáneos para reflexionar sobre el impacto de las crisis posindustriales en los ecosistemas. Recorrido expositivo La muestra reúne collages y ensamblajes de influencia surrealista y gótica, grandes bordados pictóricos, y un conjunto inédito de estructuras de macramé procedentes de colecciones institucionales de España, Europa y Estados Unidos. También destacan sus emblemáticas esculturas-cometa y las últimas instalaciones con papel hecho a mano, junto a una amplia selección de maquetas y dibujos nunca antes expuestos. Comisariado y organización El comisariado corre a cargo de einaidea (Fundació Eina, Barcelona), con dirección científica de Manuel Cirauqui, y en colaboración con Rosa Lleó y Silvia Ventosa. Organizan el Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), donde la exposición podrá verse del 5 de noviembre de 2026 al 29 de marzo de 2027.
La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano
El Museo Reina Sofía presenta un nuevo programa que establece un diálogo entre el Guernica de Pablo Picasso y obras provenientes de distintos contextos históricos y culturales. Bajo el título La historia no se repite, pero rima, esta primera entrega, comisariada por Tamar Garb, reúne por primera vez el Guernica (1937) con el African Guernica (1967) de Dumile Feni, uno de los artistas fundamentales de la modernidad africana. Dumile Feni, nacido en Worcester (Sudáfrica) en 1942 y fallecido en Nueva York en 1991, creó su obra en el contexto de la violencia estatal y la opresión racial del apartheid. Su gran dibujo al carboncillo hace eco del vocabulario visual picassiano: simplificación expresiva de figuras, monocromía, iluminación dramática y dislocación espacial. Ambos trabajos comparten una escala monumental para denunciar la guerra, la discriminación y la opresión. La exposición incluye también otras obras del artista sudafricano y propone una reflexión crítica sobre las semejanzas y diferencias entre ambas creaciones, realizadas en contextos históricos y geográficos divergentes. Comisariado Tamar Garb Colaboradores • Sr. Dennis Martin • Sr. Frank Kilbou • Universidad Stellenbosch • Spier Arts Trust • Fundación Amigos Museo Reina Sofía Agradecimientos Al University of Fort Hare (Sudáfrica) por el préstamo del African Guernica, y al National Heritage and Cultural Studies Centre (NAHECS) por su colaboración.
Alberto Greco: Viva el arte vivo
Una retrospectiva esencial de la vanguardia experimental El Museo Reina Sofía presenta "Alberto Greco: Viva el arte vivo", una exposición retrospectiva que recorre la intensa trayectoria de una figura clave en la vanguardia experimental del siglo XX. Greco (Buenos Aires, 1931 - Barcelona, 1965) desarrolló un camino artístico marcado por el desvío y la desorientación, alejándose de cualquier programa estético establecido. El arte vivo como manifiesto Greco fundó el arte vivo en París en 1962, un movimiento que transformaba la movilidad fugitiva de la vida en materia artística. Bajo este concepto, el artista: • Firmó personas, mercados y baños como obras de arte • Declaró ciudades completas como creaciones artísticas • Escribió con tiza la proclama "Viva el arte vivo" en calles y muros • Desarrolló los vivo-ditos, acciones efímeras que confundían arte y vida Un recorrido migrante La exposición sigue el derrotero nómada de Greco, cuyas acciones fueron inseparables de su constante movimiento entre continentes. La muestra incluye obras desde 1949 hasta 1965, abarcando: • Pintura informalista con experimentaciones materiales radicales • Acciones y objets vivants que desdibujaban fronteras artísticas • Dibujos madrileños y collages de "autopropaganda" • Su novela final Besos brujos, escrita poco antes de su muerte Greco entendía el arte vivo como una aventura abierta a lo imprevisto, donde arte y vida se confundían completamente en gestos intempestivos que anticipaban el arte del futuro. Información práctica Comisariado: Fernando Davis Organiza: Museo Reina Sofía Dirección: Calle Santa Isabel, 52, 28012 Madrid
Andrea Canepa: Fardo
Una intervención artística en el Palacio de Cristal La artista peruana Andrea Canepa presenta Fardo, una propuesta que transforma la lona que cubre temporalmente el Palacio de Cristal durante su restauración en una obra cargada de significado. A través de esta intervención, Canepa explora los rituales ancestrales de envolver a los difuntos, inspirados en los fardos textiles de la cultura precolombina de Paracas. Diálogo entre arte, historia y antropología El trabajo de Canepa se sitúa en un territorio interdisciplinar donde convergen el arte, la sociología, la historia y la antropología. La artista investiga cómo los sistemas de organización —visuales, espaciales o simbólicos— moldean nuestra percepción del mundo. En Fardo, traslada al presente temas aparentemente lejanos para invitar a reflexionar sobre nuestra forma de habitar el mundo contemporáneo. Superposición de temporalidades y medios La intervención muestra imágenes de telas atadas y superpuestas, reproducciones fotográficas ampliadas a partir de pinturas al óleo. Esta combinación de fotografía y pintura genera un sutil extrañamiento, recordándonos que la realidad es más densa y múltiple de lo que aparenta. El ritmo pausado de la pintura establece un vínculo con lo ritual, mientras que la fotografía captura un instante concreto. Cuestionando la transparencia moderna Canepa aprovecha el contexto del Palacio de Cristal —edificio decimonónico que encarna la modernidad y su valor supremo de la transparencia— para resquebrajar esa lógica de visibilidad absoluta. Al envolver simbólicamente el edificio con capas de tela, la artista recupera elementos que la modernidad relegó: • El misterio y lo sagrado • La sensualidad de la materia • El derecho a la opacidad Del praxinoscopio a la experiencia temporal La artista transforma el Palacio en un praxinoscopio contemporáneo, convirtiendo sus paños acristalados en secuencias de cubrir y descubrir textiles. Este ciclo narrativo se completa con el desplazamiento del público, donde el tiempo deja de ser lineal para convertirse en experiencia: se estira y repliega, oscilando entre presencia y ausencia, entre lo mostrado y lo retenido.
Thomas Hirschhorn: Art Center 6 (Blow Down)
Una instalación crítica en el Museo Reina Sofía El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta Art Center 6 (Blow Down), una obra fundamental de Thomas Hirschhorn que inaugura el nuevo espacio Pieza Única. Esta instalación, creada en 2001 y recientemente incorporada a las colecciones del museo gracias a la donación de la Colección Meana-Larrucea, representa una institución de arte contemporáneo bajo la forma de una casa de muñecas. Contexto artístico y relevancia Thomas Hirschhorn (Berna, 1957) es uno de los artistas clave de la llamada crítica institucional, una corriente influyente que cuestionó el sistema del arte, las estructuras de poder y la generación de valor económico en los museos de arte contemporáneo durante los años ochenta. La obra se exhibe temporalmente en Pieza Única, un espacio dedicado a destacar aspectos de actualidad o visibilizar culturas que apoyan la construcción de una colección pública. Información práctica • Ubicación: Sala Pieza Única, Planta 1 del edificio principal • Acceso: Conexión entre los edificios Sabatini y Nouvel • Horario: Consultar página web del museo
Oliver Laxe: HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera
Una instalación cinematográfica inmersiva El Museo Reina Sofía presenta HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, una instalación específicamente concebida para el Espacio 1 por el cineasta gallego Oliver Laxe. Esta obra inaugura la nueva programación de este espacio, dedicada a proyectos que exploran el cine de exposición. Orígenes y conceptos espirituales La pieza surge de la investigación y grabaciones de la película Sirāt (Gran Premio del Jurado en Cannes, 2025). El título combina dos elementos significativos: • HU/هُوَ: La manifestación sonora primigenia de la deidad en árabe, el hálito divino que inaugura la creación • Bailad como si nadie os viera: Un verso del místico persa Rūmī (1207-1273) La obra explora la búsqueda de trascendencia a través de la inmanencia del cuerpo, el paisaje y lo sagrado. Experiencia sensorial en dos salas La instalación se despliega en las dos salas del Espacio 1: • Sala de preparación: En penumbra, una pirámide de altavoces funciona como tótem sonoro, creando una ablución acústica previa a la experiencia visual • Sala principal: Tres proyecciones muestran paisajes desérticos iraníes filmados hace una década, donde figuras humanas bailan entre templos y altavoces El trabajo sonoro de Kangding Ray complementa esta experiencia sinestésica. Lenguaje estético y trascendencia Mediante fundidos brumosos y superposiciones, Laxe crea una gramática visual espectral que privilegia la abstracción. Esta aproximación formal permite abordar una experiencia interreligiosa sin recurrir a iconografías literales, trasladando herramientas cinematográficas al espacio expositivo para convocar un reencantamiento del mundo. Programación complementaria La exposición se acompañará de una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe en el Cine del Museo durante febrero de 2026, con carta blanca para el cineasta. Sobre Oliver Laxe Director, guionista y actor gallego con cuatro largometrajes premiados internacionalmente: • Todos vosotros sois capitanes (2010): Premio FIPRESCI en Cannes • Mimosas (2016): Gran premio de la Semaine de la Critique en Cannes • O que arde (2019): Premio del Jurado en Un Certain Regard de Cannes • Sirāt (2025): Premio del Jurado en la Sección Oficial de Cannes Comisariado: Julia Morandeira Arrizabalaga y Chema González
Juan Uslé: Ese barco en la montaña
Una retrospectiva esencial del pintor español contemporáneo El Museo Reina Sofía presenta "Ese barco en la montaña", una ambiciosa exposición antológica que recorre más de cuatro décadas de trayectoria de Juan Uslé (Santander, 1954), uno de los artistas españoles con mayor reconocimiento internacional. Esta muestra llega veinte años después de su primera exposición individual en el museo, ofreciendo una visión profunda de su evolución creativa. Un viaje por la obra de Uslé La exposición, ubicada en las salas de la Planta 1 del Edificio Nouvel, se estructura como un relato no cronológico que explora las conexiones entre sus diferentes familias de obras. A través de once salas, se revelan los vínculos subconscientes que su pintura establece con: • Las Notes (notas pictóricas de viaje) • Las pruebas de color agrupadas como Notes on SQR • Sus escritos y fotografías Estos elementos representan en su práctica artística un registro constante del día a día: viajes, horas de estudio y vida familiar. Evolución artística La carrera de Uslé comenzó a finales de los años setenta en Cantabria, con obras de tonos oscuros y calma visual. Tras formarse en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y desarrollar un interés por el paisaje abstracto y la fotografía, su trabajo se presentó por primera vez en ARCO en 1984. Su traslado a Nueva York en 1987 marcó un punto de inflexión hacia una abstracción más personal, caracterizada por: • Paletas más brillantes • Fondos en cuadrícula • Referencias a la pincelada de De Kooning Con el tiempo, su pintura evolucionó hacia una abstracción lírica y silenciosa, donde la expresión se reduce al ritmo de líneas geométricas que evocan el latido de un pulso. Reconocimiento internacional Juan Uslé ha participado en eventos clave como: • Bienal de Venecia (2005) • Documenta 9 (1992) • Bienal de Estambul (1992) • Bienal de São Paulo (1985) Su obra forma parte de prestigiosas colecciones internacionales, incluyendo el MoMA de Nueva York, el Centre Pompidou de París, la Tate Modern de Londres y el Museo Guggenheim de Bilbao. En 2002 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura. Información práctica Comisariado: Ángel Calvo Ulloa Ubicación: Edificio Nouvel, Planta 1
Colecciones del Museo Reina Sofía: Nueva Presentación de Arte Contemporáneo Español
El Museo Reina Sofía presenta una renovada exposición de sus colecciones, que abarca cincuenta años de historia del arte español desde la Transición hasta la actualidad. Esta nueva presentación, inaugurada el 18 de febrero, reúne 403 obras de 224 artistas, más de la mitad de las cuales son inéditas y nunca antes exhibidas en las colecciones del museo. Itinerarios y Contenidos La exposición se estructura en tres itinerarios diferentes que buscan poner en valor la contribución del arte contemporáneo español: • Arte de la Transición y la Movida: Incluye obras de Picasso, Miró, Dalí, Juan Genovés, Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Susana Solano, y referentes como Guillermo Pérez Villalta, Ocaña, Ouka Leele, Ceesepe, Nazario, Iván Zulueta y Alberto García-Alix. • Compromiso con las sensibilidades de género: Presenta trabajos de Judy Chicago, Barbara Hammer, Eulàlia Grau, David Wojnarowicz, Pilar Albarracín y Cabello/Carceller. • Representación cultural, política y social del sida: Destaca las obras de Pepe Espaliú y Pepe Miralles, junto con artistas que abordan la crítica de la representación como Joan Fontcuberta y Dora García, y aproximaciones a la identidad afro de Pocho Guimaraes, Agnes Essonti y Rubén H. Bermúdez. Espacio y Transformación La exposición ocupa toda la cuarta planta del Edificio Sabatini, con más de 3.000 metros cuadrados organizados en 21 capítulos que ofrecen un recorrido lineal no siempre cronológico. Este proyecto forma parte de una transformación más amplia de las presentaciones de las colecciones, que se reubicarán en las plantas superiores del Edificio Sabatini hasta 2028 para mejorar la circulación de los visitantes y la lectura de los espacios. Las colecciones del Museo Reina Sofía, que se remontan a la fundación del Museo Español de Arte Contemporáneo en 1894, cuentan con casi 25.000 piezas desde finales del siglo XIX hasta el presente, con un enfoque especial en el arte español e internacional, particularmente de América Latina. Visita y Recursos La exposición está disponible en el Edificio Sabatini, Plantas 2 y 4, y en las Terrazas del Edificio Nouvel. Los visitantes pueden acceder a recursos adicionales como documentos inéditos, imágenes en gigapíxel, comparación de técnicas fotográficas y una cronología interactiva en la web dedicada al Guernica de Pablo Picasso, así como a recorridos sonoros a través de la Radio del Museo Reina Sofía.
Colecciones – Museo Reina Sofía
Las colecciones del Museo Reina Sofía constituyen el armazón principal sobre el que se articula la programación del museo. Desde su origen en el antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo (1894), estas colecciones han crecido hasta albergar casi 25.000 obras que abarcan desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, con un enfoque en el arte español e internacional, con especial atención a América Latina. Actualmente, las presentaciones se hallan en un proceso de transformación que se extenderá hasta 2028, con el objetivo de reorganizar las obras en las plantas superiores del edificio Sabatini, mejorando la circulación y la experiencia del visitante. Esta reordenación responde a un criterio de multiplicación de relatos, dando cabida a una pluralidad de voces, lenguajes institucionales y formas vernáculas, en un contexto de diversidad cultural que refleja las comunidades históricas de España. Ubicaciones • Edificio Sabatini, Planta 2 • Edificio Sabatini, Planta 4 • Edificio Nouvel, Terrazas Recursos Destacados • Historia y conflicto del siglo XX: documentos inéditos, gigapíxeles, comparación de técnicas fotográficas, cronología interactiva sobre el Guernica de Picasso. • Radio del Museo Reina Sofía (RRS) y recorridos sonoros, en colaboración con cabosanroque, Carne Cruda y Emilio Tomé. • Recursos educativos de las colecciones.
Esperpento: Arte popular y revolución estética
El Museo Reina Sofía presenta "Esperpento: Arte popular y revolución estética", una exposición que profundiza en este concepto como núcleo de pensamiento estético capaz de ofrecer nuevas perspectivas para comprender la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como herramienta de cuestionamiento crítico, el esperpento surgió como reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba España en el primer tercio del siglo XX. Una estética de distanciamiento y deformación A diferencia de otras manifestaciones culturales de lo grotesco en Europa, donde la distorsión monstruosa encarnaba lo absurdo de la vida, el esperpento propuso una nueva estética con un compromiso de renovación de las estructuras sociales. A través de una amplia selección de documentos y obras artísticas de diversa índole, esta exposición examina las principales estrategias que articulan el esperpento, destacando su vigencia más allá del pensamiento de Valle-Inclán. Recorrido por ocho secciones temáticas • Antes del esperpento: Presenta prensa satírica, pinturas y dispositivos ópticos populares como antecedentes de las técnicas de deformación. • Visión de medianoche: Explora obras relacionadas con los efectos de la Primera Guerra Mundial, el espiritismo y estados alterados de conciencia. • Tablado de marionetas y Martes de carnaval: Utiliza elementos de la tradición popular para denunciar el desacuerdo de Valle-Inclán con los poderes fácticos. • Luces de bohemia: Incluye referencias a la revuelta social y decadencia de la bohemia. • Retablos: Mezcla religiosidad con tradición popular para mostrar instintos, pecados y pasiones. • Tirano Banderas: Presenta la encarnación del esperpento en la figura grotesca del tirano político. • El ruedo ibérico: Cierra la exposición con la metáfora de la historia de España como plaza de toros, revelando tensiones previas a la Guerra Civil.
Acceso gratuito y descuentos en el Museo Reina Sofía
El Museo Reina Sofía ofrece diversas opciones de acceso gratuito y tarifas reducidas para que todos los públicos puedan disfrutar de su excepcional colección de arte contemporáneo y exposiciones temporales. Entrada gratuita dos horas antes del cierre De lunes a sábado, el acceso a la Sede Principal es gratuito durante las dos horas previas al cierre. Puedes reservar tu entrada online. Esta entrada incluye la visita a la Colección y a las exposiciones temporales, excepto aquellas que requieran pases horarios o tarifas especiales. Se permite acceder hasta 30 minutos antes del cierre y las salas se desalojan 15 minutos antes. Entrada gratuita con acreditación Presentando un documento oficial acreditativo vigente (junto con DNI o pasaporte), pueden acceder gratuitamente: • Estudiantes menores de 25 años • Mayores de 65 años • Miembros de familias numerosas • Personal docente • Desempleados • Personas con discapacidad (y un acompañante) • Guías oficiales de turismo • Periodistas acreditados Las acreditaciones en idiomas no latinos deben ir acompañadas de traducción certificada. Abono Paseo del Arte Este abono permite visitar las colecciones permanentes del Museo Reina Sofía, el Museo del Prado y el Museo Thyssen-Bornemisza. No incluye exposiciones temporales con tarifas especiales. Válido por un año desde la compra, con un descuento del 20% sobre las tarifas vigentes (precio: 36,06 €). Se adquiere solo en taquillas. Tarjeta Anual de Museos Estatales Por 36,06 €, esta tarjeta permite visitar los museos estatales asociados las veces que se desee durante un año. Se debe presentar junto con el DNI. Se adquiere solo en taquilla. Entrada reducida con acreditación 50% de descuento para voluntarios culturales, miembros de familias numerosas y personal de museos no adscritos al Ministerio de Cultura. También hay descuentos para asistentes a conciertos del CNDM (50% sobre la entrada individual general). Días de entrada gratuita 18 de abril, 18 y 22 de mayo, 12 de octubre y 6 de diciembre. (Solo para público individual.) Días de cierre 1 y 6 de enero, 1 de mayo, 15 de mayo*, 9 de noviembre*, 24, 25 y 31 de diciembre. (* Sujeto a cambios por calendario laboral de la Comunidad de Madrid.)
Picasso 1906: La gran transformación
La exposición "Picasso 1906. La gran transformación" ofrece una mirada contemporánea a la primera gran contribución del artista a la definición del arte moderno. A través de un análisis profundo de su producción en 1906, esta muestra revela cómo este año constituye un período con identidad propia en la evolución creativa de Picasso, más allá de ser considerado un simple epílogo de su etapa rosa o un prólogo a Las señoritas de Aviñón. Un artista en plena madurez creativa Con apenas 25 años, Picasso se encontraba en un momento de vitalidad y expansión, alejándose del pesimismo bohemio para abrazar planteamientos libertarios y una búsqueda de lo primordial. Su trabajo se desarrolló en tres registros fundamentales: • El cuerpo: como símbolo de emancipación y nuevo comienzo • La forma: redefiniendo la relación entre fondo y figura • La interculturalidad: estableciendo diálogos con diversas tradiciones artísticas Diálogo con lo primitivo La exposición destaca cómo Picasso estableció una sinergia con culturas consideradas entonces "primitivas", incluyendo: • Arte ibero y art nègre • Románico catalán • Arte mediterráneo protohistórico • Arte egipcio antiguo Esta relación dialéctica no representó la adopción de modelos fijos, sino un esfuerzo de hibridación para crear una "lengua común" de lo primigenio. Innovación y legado Picasso abordó con audacia temas como la intimidad femenina, utilizó la figura de su compañera Fernande Olivier como soporte para la experimentación plástica, y desarrolló conceptos matéricos innovadores en escultura. Su diálogo con Gertrude Stein resultó crucial en este período de aceleradas transformaciones que culminarían en los primeros meses de 1907.
Picasso 1906. La gran transformación
El Museo Reina Sofía presenta Picasso 1906. La gran transformación, una exposición que redefine este año crucial en la carrera del artista malagueño. Lejos de ser un mero epílogo del período rosa o un prólogo a las señoritas de Aviñón, 1906 emerge como un periodo con entidad propia, donde Picasso, con apenas 25 años, sienta las bases del arte moderno. La muestra explora su búsqueda de lo primordial a través del cuerpo, la forma y la interculturalidad. El artista se acerca a la adolescencia arcádica como símbolo de un nuevo comienzo, aborda la pulsión escópica y la intimidad femenina, y redefine la relación entre fondo y figura. Su diálogo con Gertrude Stein fue crucial, así como su sinergia con el arte ibero, el románico catalán, el arte egipcio antiguo y el llamado art nègre. La exposición se estructura en varios núcleos temáticos: • El cuerpo pintado: Emancipación y sensualidad. • La forma esculpida: Materia y tactilidad. • Interculturalidad: Hibridación y memoria. Comisariada por Eugenio Carmona, la exposición reúne obras de museos y colecciones internacionales, ofreciendo una mirada contemporánea sobre la primera gran aportación de Picasso a la definición del arte moderno.
Maquinaciones
La exposición Maquinaciones, organizada por el Museo Reina Sofía, se adentra en el concepto de máquina desde la perspectiva filosófica de Félix Guattari y Gilles Deleuze. Lejos de ser un mero instrumento técnico alienante, la máquina se redefine como un núcleo abstracto capaz de albergar infinitas relaciones humanas y no humanas, movilizándose al ritmo de sus flujos internos y desafiando las estructuras estáticas del poder establecido. La muestra reúne cerca de medio centenar de obras de artistas procedentes principalmente del área mediterránea y del continente africano, quienes exploran formas contemporáneas de resistencia, coalición y creatividad. A través de una amplia variedad de formatos —dibujo, pintura, escultura, performance, cine, video e instalación—, las propuestas reflexionan sobre las circunstancias históricas y actuales de estos territorios, con una decena de producciones creadas específicamente para el proyecto. Ejes temáticos • Máquinas de guerra: Aborda las conexiones entre ideologías nacionalistas, militarismo, memoria colonial, extractivismo y políticas fronterizas, planteando líneas de fuga frente a lógicas imperialistas y burocráticas. • Máquinas esquizo: Explora la alteración de los estados de conciencia, rituales animistas minoritarios y especulaciones de ciencia-ficción, liberando el deseo reprimido desde el esquizoanálisis y la antipsiquiatría. • Máquinas de cine y cuidados: Concibe el cine como un rizoma de subjetivación que evade los regímenes semióticos dominantes, promoviendo un cine no representacional que instaura comunidades afectivas y formas colectivas de enunciación. La exposición es el resultado de un modelo abierto de investigación colaborativa iniciado en 2019, con un equipo multidisciplinar que ha contribuido a articular las constelaciones curatoriales. Maquinaciones trasciende los límites físicos de las salas, generando sinergias con otros proyectos, actividades y publicaciones dentro y fuera del museo.
Trilogía marroquí (1950-2020)
Trilogía marroquí 1950-2020 articula un diálogo visual que recorre la producción artística en Marruecos desde la independencia hasta la actualidad, a través de una cuidada selección de piezas que revelan la diversidad de iniciativas, la vitalidad de los debates artísticos y los intercambios interdisciplinares. nEsta exposición, enmarcada en la línea de investigación decolonial del Museo Reina Sofía, dirige la mirada hacia la orilla sur del Mediterráneo, específicamente a Marruecos. Organizada en colaboración con la Fundación Nacional de Museos de Marruecos y el Ministerio de Cultura de España, con el apoyo de Mathaf: Arab Museum of Modern Art de Qatar, la muestra ofrece un recorrido por las experiencias artísticas marroquíes desde mediados del siglo XX, centrándose en tres núcleos urbanos: Tetuán, Casablanca y Tánger. nEstructura de la exposición nLa exposición se divide en tres periodos históricos: n n • 1950-1969: Independencia y construcción identitaria. Los artistas cuestionan el academicismo tradicional y adoptan la abstracción como vehículo de reivindicación nacional.n • 1970-1999: Años de plomo y disidencia. Surgen publicaciones alternativas, festivales y bienales independientes; el arte no académico cobra protagonismo.n • 2000-2020: Transición democrática y nuevas generaciones. Jóvenes artistas rompen con el pasado en lo formal, técnico y político, con una notable presencia femenina.n nLa muestra incluye obras de más de 60 artistas y cineastas, entre ellos Mohamed Melehi, Yto Barrada, Mounir Fatmi y Chaïbia Talal, así como documentos de archivo que ilustran la efervescencia cultural de cada época.
Trilogía marroquí: 1950-2020
Trilogía marroquí 1950-2020 presenta un diálogo visual que recorre la producción artística de Marruecos desde su independencia hasta la actualidad, estructurada en tres periodos históricos clave. La exposición, organizada en el marco del programa de cooperación cultural entre España y Marruecos, ofrece una selección significativa de obras que reflejan la diversidad de iniciativas, la vitalidad de los debates artísticos y los intercambios interdisciplinares en el país. Contexto y enfoque Esta muestra se inscribe en el eje programático de investigación decolonial del Museo Reina Sofía, ampliando el análisis hacia la orilla sur del Mediterráneo. Centrada especialmente en tres núcleos urbanos —Tetuán, Casablanca y Tánger—, la exposición traza una trayectoria histórica marcada por una profusa efervescencia cultural. Periodos destacados • 1950-1969: Transición a la independencia, donde el campo artístico se articula en torno al nacionalismo y la construcción identitaria, con artistas que cuestionan el academicismo tradicional. • 1970-1999: Años de conflictos internos, surgimiento de publicaciones alternativas como Souffles, y aparición de arte no académico representado por creadores autodidactas. • 2000-2020: Consolidación de una nueva corriente contemporánea, con una generación de jóvenes artistas que rompen formal y políticamente con el pasado, destacando una importante presencia de mujeres artistas. Artistas y colaboraciones La exposición incluye obras de más de 70 artistas y cineastas, entre los que figuran Mohamed Melehi, Chaïbia Talal, Yto Barrada y Mounir Fatmi. Ha sido organizada por el Museo Reina Sofía, el Ministerio de Cultura y Deporte de España y la Fundación Nacional de Museos del Reino de Marruecos, con la colaboración de Mathaf: Arab Museum of Modern Art de Qatar. Comisariado: Manuel Borja-Villel y Abdellah Karroum.