Una retrospectiva esencial del pintor español contemporáneo

El Museo Reina Sofía presenta «Ese barco en la montaña», una ambiciosa exposición antológica que recorre más de cuatro décadas de trayectoria de Juan Uslé (Santander, 1954), uno de los artistas españoles con mayor reconocimiento internacional. Esta muestra llega veinte años después de su primera exposición individual en el museo, ofreciendo una visión profunda de su evolución creativa.

Un viaje por la obra de Uslé

La exposición, ubicada en las salas de la Planta 1 del Edificio Nouvel, se estructura como un relato no cronológico que explora las conexiones entre sus diferentes familias de obras. A través de once salas, se revelan los vínculos subconscientes que su pintura establece con:

• Las Notes (notas pictóricas de viaje)
• Las pruebas de color agrupadas como Notes on SQR
• Sus escritos y fotografías

Estos elementos representan en su práctica artística un registro constante del día a día: viajes, horas de estudio y vida familiar.

Evolución artística

La carrera de Uslé comenzó a finales de los años setenta en Cantabria, con obras de tonos oscuros y calma visual. Tras formarse en la Escuela de Bellas Artes de Valencia y desarrollar un interés por el paisaje abstracto y la fotografía, su trabajo se presentó por primera vez en ARCO en 1984. Su traslado a Nueva York en 1987 marcó un punto de inflexión hacia una abstracción más personal, caracterizada por:

• Paletas más brillantes
• Fondos en cuadrícula
• Referencias a la pincelada de De Kooning

Con el tiempo, su pintura evolucionó hacia una abstracción lírica y silenciosa, donde la expresión se reduce al ritmo de líneas geométricas que evocan el latido de un pulso.

Reconocimiento internacional

Juan Uslé ha participado en eventos clave como:

• Bienal de Venecia (2005)
• Documenta 9 (1992)
• Bienal de Estambul (1992)
• Bienal de São Paulo (1985)

Su obra forma parte de prestigiosas colecciones internacionales, incluyendo el MoMA de Nueva York, el Centre Pompidou de París, la Tate Modern de Londres y el Museo Guggenheim de Bilbao. En 2002 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura.

Información práctica

Comisariado: Ángel Calvo Ulloa
Ubicación: Edificio Nouvel, Planta 1

Una exposición esencial sobre el arte textil contemporáneo

El Museo Reina Sofía presenta Aurèlia Muñoz: Entes, una muestra integral que recorre más de cincuenta años de la trayectoria de una figura fundamental en la comprensión del arte textil contemporáneo. Vinculada inicialmente a movimientos como la nouvelle tapisserie y la Escuela Catalana del Tapiz, la obra de Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011) trasciende los límites tradicionales del tejido y la artesanía.

La exposición se centra en el concepto de entes, un elemento clave en su producción, y aborda cómo la artista combinaba técnicas ancestrales con recursos contemporáneos para reflexionar sobre el impacto de las crisis posindustriales en los ecosistemas terrestres, acuáticos y aéreos.

Obras destacadas

• Collages y ensamblajes de influencia surrealista y gótica
• Grandes bordados pictóricos
• Estructuras de macramé inéditas procedentes de colecciones institucionales de España, Europa y Estados Unidos
• Emblemáticas esculturas-cometa
• Instalaciones realizadas con papel hecho a mano
• Una amplia selección de maquetas y dibujos desconocidos hasta la fecha

La muestra, que incluye obras como Ocell-estel B2 (1982) de la Colección MACBA, ofrece una visión sin precedentes del legado singular de Muñoz y busca abrir nuevas perspectivas sobre su práctica polifacética.

Información adicional

Esta exposición también podrá visitarse en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) del 5 de noviembre de 2026 al 29 de marzo de 2027.

Comisariado: einaidea (Fundació Eina, Barcelona)
Dirección científica: Manuel Cirauqui
En colaboración con: Rosa Lleó y Silvia Ventosa
Organizan: Museo Reina Sofía y Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Una intervención artística en el Palacio de Cristal

La artista peruana Andrea Canepa presenta Fardo, una propuesta que transforma la lona que cubre temporalmente el Palacio de Cristal durante su restauración en una obra cargada de significado. A través de esta intervención, Canepa explora los rituales ancestrales de envolver a los difuntos, inspirados en los fardos textiles de la cultura precolombina de Paracas.

Diálogo entre arte, historia y antropología

El trabajo de Canepa se sitúa en un territorio interdisciplinar donde convergen el arte, la sociología, la historia y la antropología. La artista investiga cómo los sistemas de organización —visuales, espaciales o simbólicos— moldean nuestra percepción del mundo. En Fardo, traslada al presente temas aparentemente lejanos para invitar a reflexionar sobre nuestra forma de habitar el mundo contemporáneo.

Superposición de temporalidades y medios

La intervención muestra imágenes de telas atadas y superpuestas, reproducciones fotográficas ampliadas a partir de pinturas al óleo. Esta combinación de fotografía y pintura genera un sutil extrañamiento, recordándonos que la realidad es más densa y múltiple de lo que aparenta. El ritmo pausado de la pintura establece un vínculo con lo ritual, mientras que la fotografía captura un instante concreto.

Cuestionando la transparencia moderna

Canepa aprovecha el contexto del Palacio de Cristal —edificio decimonónico que encarna la modernidad y su valor supremo de la transparencia— para resquebrajar esa lógica de visibilidad absoluta. Al envolver simbólicamente el edificio con capas de tela, la artista recupera elementos que la modernidad relegó:

• El misterio y lo sagrado
• La sensualidad de la materia
• El derecho a la opacidad

Del praxinoscopio a la experiencia temporal

La artista transforma el Palacio en un praxinoscopio contemporáneo, convirtiendo sus paños acristalados en secuencias de cubrir y descubrir textiles. Este ciclo narrativo se completa con el desplazamiento del público, donde el tiempo deja de ser lineal para convertirse en experiencia: se estira y repliega, oscilando entre presencia y ausencia, entre lo mostrado y lo retenido.

La exposición «Picasso 1906. La gran transformación» ofrece una mirada contemporánea a la primera gran contribución del artista a la definición del arte moderno. A través de un análisis profundo de su producción en 1906, esta muestra revela cómo este año constituye un período con identidad propia en la evolución creativa de Picasso, más allá de ser considerado un simple epílogo de su etapa rosa o un prólogo a Las señoritas de Aviñón.

Un artista en plena madurez creativa

Con apenas 25 años, Picasso se encontraba en un momento de vitalidad y expansión, alejándose del pesimismo bohemio para abrazar planteamientos libertarios y una búsqueda de lo primordial. Su trabajo se desarrolló en tres registros fundamentales:

• El cuerpo: como símbolo de emancipación y nuevo comienzo
• La forma: redefiniendo la relación entre fondo y figura
• La interculturalidad: estableciendo diálogos con diversas tradiciones artísticas

Diálogo con lo primitivo

La exposición destaca cómo Picasso estableció una sinergia con culturas consideradas entonces «primitivas», incluyendo:

• Arte ibero y art nègre
• Románico catalán
• Arte mediterráneo protohistórico
• Arte egipcio antiguo

Esta relación dialéctica no representó la adopción de modelos fijos, sino un esfuerzo de hibridación para crear una «lengua común» de lo primigenio.

Innovación y legado

Picasso abordó con audacia temas como la intimidad femenina, utilizó la figura de su compañera Fernande Olivier como soporte para la experimentación plástica, y desarrolló conceptos matéricos innovadores en escultura. Su diálogo con Gertrude Stein resultó crucial en este período de aceleradas transformaciones que culminarían en los primeros meses de 1907.

Inauguración

Nos complace invitaros a la inauguración de la exposición “La Movida”, de Miguel Trillo y Mar Aragón, organizada por Ojos del Barroco.

La muestra se inaugurará el 20 de febrero a las 19:30 h en el espacio de arte contemporáneo Ojos del Barroco, situado en Gran Vía de Colón, 47 (Granada).

Una exposición que desarrolla una parte trascendental de la historia sociocultural de nuestros tiempos a través de la fotografía de Miguel Trillo, quien con su mirada y sus lentes alzó la visibilidad y el eco de toda una generación. Hoy, Mar Aragón da nueva vida a esas imágenes, reinterpretándolas desde la pintura y aportando una visión contemporánea que dialoga con aquel espíritu libre, creativo y transformador.

Horario de visita:

De martes a sábado, de 10:30 a 14:00 h y de 17:00 a 20:30 h.

Será un placer contar con vuestra presencia.

 

Ojos del Barroco

Nota de prensa

“Foto x E²ArtD” reúne en Alcañiz a ocho fotógrafos en una muestra que celebra la luz, la naturaleza y el patrimonio

La exposición, enmarcada en el V Congreso de Fotografía “Foto Alcañiz”, podrá visitarse del 14 al 30 de noviembre en el espacio E²ArtD.

Alcañiz, noviembre de 2025.
El espacio expositivo E²ArtD presenta la muestra “Foto x E²ArtD”, una exposición colectiva que reúne a ocho fotógrafos y fotógrafas en torno a un tema común: la luz como origen, herramienta y lenguaje visual. La exposición se enmarca en el V Congreso de Fotografía “Foto Alcañiz” y busca acercar la creación fotográfica contemporánea a toda la población, complementando las jornadas de talleres y ponencias con una propuesta abierta al público.

La muestra podrá visitarse del 14 al 30 de noviembre en E²ArtD (Alcañiz, Teruel), con apertura los sábados, domingos y festivos de 11:00 a 14:00 h.

La inauguración será el viernes 14 de noviembre a las 19h en el Molino Harinero – E²ArtD.

Ocho miradas, una misma pasión por la luz

“Foto x E²ArtD” reúne las obras de Jaime de Diego, Alexandra Surkova, Jaime Marín, Rafa Berlanga, Pilar HM, David Martín Castán, Sonia Celma y Luis Pitarque, autores que representan distintas vertientes de la fotografía actual —del paisaje y la naturaleza al movimiento humano, la noche o el patrimonio—, pero que comparten una misma búsqueda: entender la luz como una forma de conocimiento y emoción.

Jaime de Diego, fotógrafo deportivo y embajador de Canon Europe, aporta imágenes llenas de energía y precisión técnica, capturando el instante exacto donde la acción se convierte en arte.
Alexandra Surkova, fotógrafa de naturaleza y conservación, ofrece una mirada íntima sobre la relación entre el ser humano y los ecosistemas, impregnada de calma y respeto.
Jaime Marín, colaborador de National Geographic España, transforma la noche y el cielo estrellado en escenarios de contemplación y asombro.
Rafa Berlanga explora la serenidad del paisaje nocturno con un enfoque técnico y emocional de gran sutileza.
Pilar HM convierte el light painting en lenguaje artístico, mezclando la naturaleza con la luz creada por la mano humana.
David Martín Castán, premiado en los Siena Awards y Epson Pano Awards, presenta una fotografía de viajes y naturaleza donde la emoción y el color son protagonistas.
Sonia Celma amplía el registro fotográfico hacia el terreno audiovisual con Columna, una pieza reconocida con la Beca Kursala 2023 y seleccionada en PhotoEspaña Pro Talent 2025, donde reflexiona sobre el cuerpo y la belleza de lo imperfecto.
Luis Pitarque, fotógrafo y divulgador del patrimonio aragonés, completa la muestra con una mirada comprometida con el territorio, que une memoria, paisaje y cultura.

Una colaboración entre arte, territorio y comunidad

La exposición “Foto x E²ArtD” surge como fruto de la colaboración entre el espacio E²ArtD y Foto Alcañiz, con el propósito de tender puentes entre la práctica artística profesional y la comunidad local.
De este modo, Alcañiz se consolida como un punto de encuentro para la fotografía contemporánea, uniendo el trabajo de creadores reconocidos con la participación del público en un entorno cultural en crecimiento.

Datos de la exposición:
📍 E²ArtD, Alcañiz (Teruel)
🗓 Del 14 al 30 de noviembre de 2025 – Inauguración viernes 14 a las 19h.
🕚 Sábados, domingos y festivos de 11:00 a 14:00 h
🤝 Organizan: E²ArtD y Foto Alcañiz
🌐 https://fotoalcaniz.com/
📱 Web y Redes sociales de E²ArtD: https://beacons.ai/e2artd

 

Ver catálogo de la exposición online: https://heyzine.com/flip-book/655100c769.html

 

E²ArtD presenta “iA x E²ArtD”, una exposición internacional de arte digital creado con inteligencia artificial

Alcañiz, diciembre de 2025 – El espacio expositivo E²ArtD presenta del 18 de diciembre al 25 de enero la exposición iA x E²ArtD, una muestra colectiva e internacional que explora los límites de la creatividad humana amplificada por la inteligencia artificial. La exposición reúne a artistas, investigadores y colectivos de referencia internacional que trabajan con tecnologías generativas, diluyendo la frontera entre lo real y lo sintético.

iA x E²ArtD pone en diálogo distintas aproximaciones a la inteligencia artificial como herramienta y como agente creativo, mostrando cómo los algoritmos se integran en procesos artísticos que abordan la imagen, la narrativa, el cuerpo, la memoria y la percepción contemporánea.

Entre los artistas participantes se encuentra Another World, creador de universos dreamcore y espacios liminales que han alcanzado millones de visualizaciones y una amplia comunidad internacional en plataformas digitales; bandyquantguy, artista e investigador estadounidense y Assistant Teaching Professor en Penn State University, cuya práctica combina pintura algorítmica, ética y creatividad generativa; y Chantal Matar, arquitecta y artista generativa con exposiciones en la Bienal de Venecia 2023, París, Chicago y Tokio, y reconocida internacionalmente por su innovación en arquitectura digital.

La muestra incluye asimismo la participación de creAtIva, revista especializada en arte con inteligencia artificial que presenta su Vol. 7: Belleza y que ha publicado a más de 250 artistas internacionales; Doopiidoo, conocido por sus intensos viajes audiovisuales surrealistas y con obra expuesta en ciudades como París, Seúl, Nueva York o Roma, incluyendo Times Square en colaboración con SuperChief Gallery; y Dreaming Tulpa, creative coder y figura clave de la comunidad global de arte con IA, creador del boletín AI Art Weekly y del proyecto colectivo OMW, que reúne 384 universos generados por 62 artistas.

Completan la exposición Karoline Georges, artista interdisciplinar y novelista canadiense galardonada con el Governor General’s Literary Award; Mirage Bureau, artista brasileño reconocido como Alpha Artist de OpenAI y Creative Partner de Leonardo.AI; Uglyy Fruuit, artista audiovisual del Reino Unido centrado en la experimentación con sistemas generativos; y Uisato, experimentador audiovisual argentino que combina programación visual, diseño sonoro e inteligencia artificial para reflexionar sobre la vigilancia tecnológica y la condición humana.

Con iA x E²ArtD, el espacio E²ArtD se consolida como un punto de referencia para la cultura digital y el arte contemporáneo, proponiendo la inteligencia artificial no solo como una herramienta técnica, sino como un nuevo agente creativo que transforma los procesos artísticos y la relación entre artista, máquina y espectador.

Colectiva X E²ArtD
Nueve artistas internacionales redefinen la relación entre arte, tecnología y emoción en la era algorítmica

La exposición «Colectiva X E²ArtD» reúne a nueve artistas internacionales que exploran los límites de la creación digital en un tiempo donde las imágenes ya no solo se contemplan, sino que se generan, se programan y se entrenan.

Desde la inteligencia artificial hasta la realidad extendida, desde el collage animado hasta el arte generativo, cada pieza propone un diálogo entre lo humano y lo maquínico, entre la intuición artística y los procesos algorítmicos que hoy redefinen la imaginación contemporánea.

Artistas participantes

Andy Thomas (Australia), Rebecca Rose (EE.UU.), Sutu (Australia), PERFECT-L00P (EE.UU.), kentskooking (EE.UU.), Maciej Drabik (Polonia), tapehead.lab (Japón), Ciberdelia (Brasil) y Sonia Celma (España) conforman un mapa diverso de prácticas que atraviesan el arte generativo, la animación, el collage, la IA, la ilustración digital y el videoarte experimental.

En sus obras, la tecnología deja de ser herramienta para convertirse en lenguaje y materia viva. Los algoritmos se comportan como pinceles eléctricos; las redes neuronales sueñan imágenes que parecen brotar de la naturaleza; los collages digitales se transforman en universos simbólicos donde lo analógico y lo virtual se entrelazan.

Un recorrido por los universos digitales de nueve artistas

• Andy Thomas crea una naturaleza sintética, donde lo orgánico y lo digital se funden en un ecosistema audiovisual en constante mutación.
• Rebecca Rose construye collages digitales que reimaginan la memoria y el cuerpo desde una estética híbrida, entre lo pictórico y lo programado.
• Sutu presenta una visión holográfica tridimensional que remite al acto de elegir un avatar, símbolo de la identidad fragmentada en la era digital.
• PERFECT-L00P desarrolla loops visuales que evocan los sistemas operativos de los años noventa: una arqueología estética del software y la nostalgia digital.
• kentskooking explora la abstracción emocional mediante IA, construyendo una poética visual que oscila entre lo íntimo y lo inasible.
• Maciej Drabik combina realismo, animación 3D y estética pixel en composiciones de ritmo cinematográfico, donde la imagen digital se convierte en secuencia poética.
• tapehead.lab trabaja con IA sonora y visual, creando videoclips que combinan glitches, texturas digitales y atmósferas oníricas entre lo bello y lo inquietante.
• Ciberdelia aborda la espiritualidad tecnológica y la expansión sensorial mediante videoarte generativo.
• Sonia Celma explora la memoria y la reparación a través de imágenes digitales que traducen lo íntimo en lenguaje visual contemporáneo.

Una pausa en la era algorítmica

Frente a la velocidad y la sobreproducción visual de la era digital, Colectiva X E²ArtD propone una pausa: un espacio para reconocer la emoción dentro del código, invitando a reflexionar sobre cómo las nuevas formas de creación expanden las posibilidades del arte y reformulan nuestra relación con la imagen, el cuerpo y la memoria.

Sobre los artistas participantes

Andy Thomas (Australia)

Pionero del arte digital 3D, reconocido por sus visuales inmersivos que fusionan naturaleza y tecnología. Ha colaborado con Björk y Empire of the Sun, creando obras para conciertos y museos de todo el mundo. Recientemente presentó su trabajo en la Climate Week de Nueva York (2025) y en Bucarest, llegando ahora a Alcañiz con una de las primeras muestras europeas de su nueva serie de paisajes digitales.

Ciberdelia (Brasil)

Artista que trabaja entre animación, collage e ilustración digital, combinando espiritualidad y tecnología. Director de arte en giras de Marcelo D2, participó en el festival WEHOO 2024.

kentskooking (Japón/EE.UU.)

Explora la IA y el arte generativo desde un enfoque emocional. Su obra The Visible Woman se presentó en Berlín y forma parte de Daily Program Season.

Maciej Drabik (Polonia)

Combina realismo, pixel y animación 3D con sensibilidad cinematográfica. Ha colaborado con Netflix, Bethesda, EA, NBC y Red Bull, consolidándose como una voz destacada del arte digital europeo.

PERFECT-L00P (Reino Unido/EE.UU.)

Referente del arte generativo y del movimiento gif art. Sus loops visuales, inspirados en la estética retro del software, acumulan cientos de millones de visualizaciones en redes.

Rebecca Rose (EE.UU.)

Con casi dos décadas en The Walt Disney Company, ha exhibido en Art Basel Miami Beach, Beijing Design Week y Shanghai Design Week, con apoyos de las fundaciones Warhol, Rauschenberg y Joan Mitchell.

Sutu (Australia)

Fusiona arte digital, cómic y realidad extendida. Ha participado en festivales como Sundance, Tribeca, Venecia y SXSW. Ha trabajado para Doctor Strange, Spider-Man, Ready Player One, The Weeknd y Jean Michel-Jarre.

tapehead.lab (Japón)

Creador emergente de videoarte experimental y música generada por IA. Destaca por su capacidad para crear atmósferas que combinan glitch, ritmo y ensoñación digital.

Sonia Celma (España)

Artista visual que trabaja entre fotografía, video y arte multimedial. Su proyecto Columna fue galardonado con el Premio Descubrimientos PHotoESPAÑA 2025 y se exhibirá en la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2026. Ha recibido reconocimientos de La Kursala, LENS MAPA, Baffest, Arles y MAPS Getxo Photo.

Fechas y lugar de la exposición

Fechas:
Del 1 al 9 de noviembre y del 6 al 14 de diciembre

Horarios:
Sábados, domingos y festivos, de 11:00 a 14:00 h

Entrada: Gratuita

Lugar:
E²ArtD – Calle Muro de Santa María 1, Alcañiz

Exposición de arte

EXPOSICION LA SOMBRA DEL METAL EN GALERIA OJOS DEL BARROCO