El CentroCentro presenta la exposición «El pico al aire» del artista Javier Garcerá, una muestra que invita a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y su entorno a través de obras contemporáneas que exploran temas de identidad y memoria.

Información práctica

Fechas: Del 18 de diciembre de 2025 al 3 de mayo de 2026

Horario: De martes a domingo, de 10:00 a 20:00 h. Las salas se desalojarán 15 minutos antes del cierre.

Ubicación: Planta 4 del CentroCentro

Actividades complementarias

La exposición incluye varias actividades gratuitas:

• Visitas con el artista y la comisaria: 20 de enero a las 17:30 h y 12 de febrero a las 18:00 h (próximas fechas por concretar). Requieren reserva previa en el teléfono 914 800 008 o en info@centrocentro.org. Aforo limitado a 14 personas, máximo dos por reserva.
• Visitas dialogadas con el equipo de mediación: Martes a las 13:00 h, jueves a las 18:30 h y sábados a las 16:15 h. No requieren inscripción previa. Punto de encuentro en planta 4.

Nota: Del 10 al 15 de marzo no habrá visitas guiadas por la tarde.

CentroCentro presenta la exposición «Instante eterno en el jardín», una muestra colectiva que reúne las obras de Cristina Almodóvar, Chus García-Fraile y Daniel Verbis. Esta propuesta artística invita a reflexionar sobre la naturaleza, el tiempo y la percepción a través de diversas técnicas y medios.

Información práctica

Fechas: Del 10 de julio al 16 de noviembre de 2025

Horario: De martes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas

Ubicación: Planta 4 de CentroCentro

Precio: Entrada gratuita

Actividades complementarias

Visitas guiadas con Lola Durán Úcar, comisaria de la exposición:

• Viernes 3 de octubre, 12:00 h
• Jueves 16 de octubre, 19:00 h
• Jueves 13 de noviembre, 12:00 h

Visitas dialogadas con el equipo de mediación (30 minutos):

• Martes 13:00 h
• Jueves 18:30 h
• Sábados 16:15 h

Todas las actividades son gratuitas pero requieren reserva previa. El aforo es limitado a 14 personas para las visitas guiadas y 14 para las dialogadas, con un máximo de 2 reservas por persona para las primeras y 5 para las segundas. Es necesario presentarse en el mostrador de información 15 minutos antes del inicio.

Contacto para reservas

Teléfono: 914 800 008

Correo electrónico: info@centrocentro.org

Tres experiencias formales presenta una exposición colectiva de las artistas Núria Fuster, Clara Montoya y Sandra Val en CentroCentro, explorando diferentes aproximaciones al lenguaje visual contemporáneo.

Información práctica

• Fechas: Del 26 de junio al 26 de octubre de 2025
• Horario: Martes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas
• Ubicación: Planta 3 de CentroCentro
• Precio: Entrada gratuita

Actividades complementarias

Visitas guiadas con el comisario Miguel Cereceda:

• Sábado 6 de septiembre, 13:00 h
• Sábado 4 de octubre, 13:00 h
• Sábado 25 de octubre, 13:00 h

Actividad gratuita que requiere reserva previa en el teléfono 914 800 008 o por correo electrónico a info@centrocentro.org. Aforo limitado a 14 personas, máximo dos inscripciones por reserva. Punto de encuentro en planta 3.

Visitas dialogadas con el equipo de mediación:

• Martes: 18:30 h
• Miércoles: 12:30 h
• Sábados: 12:00 h

Duración aproximada: 30 minutos. Actividad gratuita con reserva previa en el mismo contacto. Aforo máximo de 14 personas, con un límite de 5 inscripciones por persona. Se requiere presentarse en el mostrador de información 15 minutos antes del inicio.

El Museo Reina Sofía presenta una renovada exposición de sus colecciones, que abarca cincuenta años de historia del arte español desde la Transición hasta la actualidad. Esta nueva presentación, inaugurada el 18 de febrero, reúne 403 obras de 224 artistas, más de la mitad de las cuales son inéditas y nunca antes exhibidas en las colecciones del museo.

Itinerarios y Contenidos

La exposición se estructura en tres itinerarios diferentes que buscan poner en valor la contribución del arte contemporáneo español:

• Arte de la Transición y la Movida: Incluye obras de Picasso, Miró, Dalí, Juan Genovés, Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Susana Solano, y referentes como Guillermo Pérez Villalta, Ocaña, Ouka Leele, Ceesepe, Nazario, Iván Zulueta y Alberto García-Alix.
• Compromiso con las sensibilidades de género: Presenta trabajos de Judy Chicago, Barbara Hammer, Eulàlia Grau, David Wojnarowicz, Pilar Albarracín y Cabello/Carceller.
• Representación cultural, política y social del sida: Destaca las obras de Pepe Espaliú y Pepe Miralles, junto con artistas que abordan la crítica de la representación como Joan Fontcuberta y Dora García, y aproximaciones a la identidad afro de Pocho Guimaraes, Agnes Essonti y Rubén H. Bermúdez.

Espacio y Transformación

La exposición ocupa toda la cuarta planta del Edificio Sabatini, con más de 3.000 metros cuadrados organizados en 21 capítulos que ofrecen un recorrido lineal no siempre cronológico. Este proyecto forma parte de una transformación más amplia de las presentaciones de las colecciones, que se reubicarán en las plantas superiores del Edificio Sabatini hasta 2028 para mejorar la circulación de los visitantes y la lectura de los espacios.

Las colecciones del Museo Reina Sofía, que se remontan a la fundación del Museo Español de Arte Contemporáneo en 1894, cuentan con casi 25.000 piezas desde finales del siglo XIX hasta el presente, con un enfoque especial en el arte español e internacional, particularmente de América Latina.

Visita y Recursos

La exposición está disponible en el Edificio Sabatini, Plantas 2 y 4, y en las Terrazas del Edificio Nouvel. Los visitantes pueden acceder a recursos adicionales como documentos inéditos, imágenes en gigapíxel, comparación de técnicas fotográficas y una cronología interactiva en la web dedicada al Guernica de Pablo Picasso, así como a recorridos sonoros a través de la Radio del Museo Reina Sofía.

Una instalación cinematográfica inmersiva

El Museo Reina Sofía presenta HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, una instalación específicamente concebida para el Espacio 1 por el cineasta gallego Oliver Laxe. Esta obra inaugura la nueva programación de este espacio, dedicada a proyectos que exploran el cine de exposición.

Orígenes y conceptos espirituales

La pieza surge de la investigación y grabaciones de la película Sirāt (Gran Premio del Jurado en Cannes, 2025). El título combina dos elementos significativos:

• HU/هُوَ: La manifestación sonora primigenia de la deidad en árabe, el hálito divino que inaugura la creación
• Bailad como si nadie os viera: Un verso del místico persa Rūmī (1207-1273)

La obra explora la búsqueda de trascendencia a través de la inmanencia del cuerpo, el paisaje y lo sagrado.

Experiencia sensorial en dos salas

La instalación se despliega en las dos salas del Espacio 1:

• Sala de preparación: En penumbra, una pirámide de altavoces funciona como tótem sonoro, creando una ablución acústica previa a la experiencia visual
• Sala principal: Tres proyecciones muestran paisajes desérticos iraníes filmados hace una década, donde figuras humanas bailan entre templos y altavoces

El trabajo sonoro de Kangding Ray complementa esta experiencia sinestésica.

Lenguaje estético y trascendencia

Mediante fundidos brumosos y superposiciones, Laxe crea una gramática visual espectral que privilegia la abstracción. Esta aproximación formal permite abordar una experiencia interreligiosa sin recurrir a iconografías literales, trasladando herramientas cinematográficas al espacio expositivo para convocar un reencantamiento del mundo.

Programación complementaria

La exposición se acompañará de una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe en el Cine del Museo durante febrero de 2026, con carta blanca para el cineasta.

Sobre Oliver Laxe

Director, guionista y actor gallego con cuatro largometrajes premiados internacionalmente:

• Todos vosotros sois capitanes (2010): Premio FIPRESCI en Cannes
• Mimosas (2016): Gran premio de la Semaine de la Critique en Cannes
• O que arde (2019): Premio del Jurado en Un Certain Regard de Cannes
• Sirāt (2025): Premio del Jurado en la Sección Oficial de Cannes

Comisariado: Julia Morandeira Arrizabalaga y Chema González

El Museo Reina Sofía presenta «La historia no se repite, pero rima», un innovador programa que establece diálogos entre el icónico Guernica de Picasso y obras significativas de otros contextos históricos y culturales. En esta primera entrega, comisariada por Tamar Garb, se confronta por primera vez el Guernica (1937) con African Guernica [Guernica africano] (1967) de Dumile Feni, figura clave de la modernidad africana.

Un diálogo transhistórico

La obra de Feni, creada durante el apartheid sudafricano, invoca a Picasso no solo en el título, sino en su vocabulario visual: simplificación expresiva de figuras, tono monocromático, iluminación dramática y dislocación espacial. Ambas piezas comparten una escala monumental para denunciar la violencia en contextos de guerra y opresión.

Elementos destacados

• Obra central: African Guernica, dibujo a carboncillo de 1967, nunca antes exhibido fuera de Sudáfrica.
• Contexto: Confrontación entre el grito antibélico de Picasso durante la Guerra Civil española y la respuesta de Feni a la violencia del apartheid.
• Enfoque curatorial: Especulación sobre similitudes y diferencias entre obras creadas en contextos históricos y geográficos distintos.

La exposición incluye otras obras de Dumile Feni que complementan esta presentación histórica, invitando a una reflexión crítica sobre la representación del trauma colectivo.

El Museo Reina Sofía presenta «Esperpento: Arte popular y revolución estética», una exposición que profundiza en este concepto como núcleo de pensamiento estético capaz de ofrecer nuevas perspectivas para comprender la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como herramienta de cuestionamiento crítico, el esperpento surgió como reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba España en el primer tercio del siglo XX.

Una estética de distanciamiento y deformación

A diferencia de otras manifestaciones culturales de lo grotesco en Europa, donde la distorsión monstruosa encarnaba lo absurdo de la vida, el esperpento propuso una nueva estética con un compromiso de renovación de las estructuras sociales. A través de una amplia selección de documentos y obras artísticas de diversa índole, esta exposición examina las principales estrategias que articulan el esperpento, destacando su vigencia más allá del pensamiento de Valle-Inclán.

Recorrido por ocho secciones temáticas

• Antes del esperpento: Presenta prensa satírica, pinturas y dispositivos ópticos populares como antecedentes de las técnicas de deformación.
• Visión de medianoche: Explora obras relacionadas con los efectos de la Primera Guerra Mundial, el espiritismo y estados alterados de conciencia.
• Tablado de marionetas y Martes de carnaval: Utiliza elementos de la tradición popular para denunciar el desacuerdo de Valle-Inclán con los poderes fácticos.
• Luces de bohemia: Incluye referencias a la revuelta social y decadencia de la bohemia.
• Retablos: Mezcla religiosidad con tradición popular para mostrar instintos, pecados y pasiones.
• Tirano Banderas: Presenta la encarnación del esperpento en la figura grotesca del tirano político.
• El ruedo ibérico: Cierra la exposición con la metáfora de la historia de España como plaza de toros, revelando tensiones previas a la Guerra Civil.

La exposición Maquinaciones, organizada por el Museo Reina Sofía, se adentra en el concepto de máquina desde la perspectiva filosófica de Félix Guattari y Gilles Deleuze. Lejos de ser un mero instrumento técnico alienante, la máquina se redefine como un núcleo abstracto capaz de albergar infinitas relaciones humanas y no humanas, movilizándose al ritmo de sus flujos internos y desafiando las estructuras estáticas del poder establecido.

La muestra reúne cerca de medio centenar de obras de artistas procedentes principalmente del área mediterránea y del continente africano, quienes exploran formas contemporáneas de resistencia, coalición y creatividad. A través de una amplia variedad de formatos —dibujo, pintura, escultura, performance, cine, video e instalación—, las propuestas reflexionan sobre las circunstancias históricas y actuales de estos territorios, con una decena de producciones creadas específicamente para el proyecto.

Ejes temáticos

• Máquinas de guerra: Aborda las conexiones entre ideologías nacionalistas, militarismo, memoria colonial, extractivismo y políticas fronterizas, planteando líneas de fuga frente a lógicas imperialistas y burocráticas.
• Máquinas esquizo: Explora la alteración de los estados de conciencia, rituales animistas minoritarios y especulaciones de ciencia-ficción, liberando el deseo reprimido desde el esquizoanálisis y la antipsiquiatría.
• Máquinas de cine y cuidados: Concibe el cine como un rizoma de subjetivación que evade los regímenes semióticos dominantes, promoviendo un cine no representacional que instaura comunidades afectivas y formas colectivas de enunciación.

La exposición es el resultado de un modelo abierto de investigación colaborativa iniciado en 2019, con un equipo multidisciplinar que ha contribuido a articular las constelaciones curatoriales. Maquinaciones trasciende los límites físicos de las salas, generando sinergias con otros proyectos, actividades y publicaciones dentro y fuera del museo.

Una retrospectiva esencial de la vanguardia experimental

El Museo Reina Sofía presenta «Alberto Greco: Viva el arte vivo», una exposición retrospectiva que recorre la intensa trayectoria de una figura clave en la vanguardia experimental del siglo XX. Greco (Buenos Aires, 1931 – Barcelona, 1965) desarrolló un camino artístico marcado por el desvío y la desorientación, alejándose de cualquier programa estético establecido.

El arte vivo como manifiesto

Greco fundó el arte vivo en París en 1962, un movimiento que transformaba la movilidad fugitiva de la vida en materia artística. Bajo este concepto, el artista:

• Firmó personas, mercados y baños como obras de arte
• Declaró ciudades completas como creaciones artísticas
• Escribió con tiza la proclama «Viva el arte vivo» en calles y muros
• Desarrolló los vivo-ditos, acciones efímeras que confundían arte y vida

Un recorrido migrante

La exposición sigue el derrotero nómada de Greco, cuyas acciones fueron inseparables de su constante movimiento entre continentes. La muestra incluye obras desde 1949 hasta 1965, abarcando:

• Pintura informalista con experimentaciones materiales radicales
• Acciones y objets vivants que desdibujaban fronteras artísticas
• Dibujos madrileños y collages de «autopropaganda»
• Su novela final Besos brujos, escrita poco antes de su muerte

Greco entendía el arte vivo como una aventura abierta a lo imprevisto, donde arte y vida se confundían completamente en gestos intempestivos que anticipaban el arte del futuro.

Información práctica

Comisariado: Fernando Davis
Organiza: Museo Reina Sofía
Dirección: Calle Santa Isabel, 52, 28012 Madrid

Trilogía marroquí 1950-2020 presenta un diálogo visual que recorre la producción artística de Marruecos desde su independencia hasta la actualidad, estructurada en tres periodos históricos clave. La exposición, organizada en el marco del programa de cooperación cultural entre España y Marruecos, ofrece una selección significativa de obras que reflejan la diversidad de iniciativas, la vitalidad de los debates artísticos y los intercambios interdisciplinares en el país.

Contexto y enfoque

Esta muestra se inscribe en el eje programático de investigación decolonial del Museo Reina Sofía, ampliando el análisis hacia la orilla sur del Mediterráneo. Centrada especialmente en tres núcleos urbanos —Tetuán, Casablanca y Tánger—, la exposición traza una trayectoria histórica marcada por una profusa efervescencia cultural.

Periodos destacados

• 1950-1969: Transición a la independencia, donde el campo artístico se articula en torno al nacionalismo y la construcción identitaria, con artistas que cuestionan el academicismo tradicional.
• 1970-1999: Años de conflictos internos, surgimiento de publicaciones alternativas como Souffles, y aparición de arte no académico representado por creadores autodidactas.
• 2000-2020: Consolidación de una nueva corriente contemporánea, con una generación de jóvenes artistas que rompen formal y políticamente con el pasado, destacando una importante presencia de mujeres artistas.

Artistas y colaboraciones

La exposición incluye obras de más de 70 artistas y cineastas, entre los que figuran Mohamed Melehi, Chaïbia Talal, Yto Barrada y Mounir Fatmi. Ha sido organizada por el Museo Reina Sofía, el Ministerio de Cultura y Deporte de España y la Fundación Nacional de Museos del Reino de Marruecos, con la colaboración de Mathaf: Arab Museum of Modern Art de Qatar.

Comisariado: Manuel Borja-Villel y Abdellah Karroum.